En 2004, la cinematografía mexicana atestiguó el debut en largometraje de Lorena Villarreal con Las Lloronas. En aquel momento, la realizadora regiomontana utilizó el mito popular para desentrañar una maldición generacional tejida por mujeres, explorando las fronteras entre la vida, la muerte y el dolor heredado.
Hoy, 22 años después, Villarreal regresa con una propuesta que vuelve a entablar un diálogo profundo con la finitud y la trascendencia, pero despojándose por completo del folclor místico.
En su lugar, nos entrega un espejo hiperrealista de la crisis contemporánea a través de la vida de dos primas: Ely (interpretada con gran fragilidad por Naian González Norvind) y Nora (una extraordinaria Natalia Plascencia).
Con una narrativa inteligentemente bifurcada entre el pasado y el presente, la película nos sitúa en el umbral de los cuarenta años; esa frontera incómoda donde caen las últimas ilusiones de la juventud y se asientan, de golpe, los lutos familiares, las ausencias parentales y las fracturas emocionales de nuestra propia generación.
Platicamos con la directora Lorena Villarreal y con la actriz Natalia Plascencia sobre los retos de filmar la madurez tardía y el peso de las decisiones que nos definen.
Entrevista: Diálogos frente al espejo del tiempo
Luis Toriz: Lorena, han pasado más de dos décadas desde Las Lloronas. En aquella ocasión el detonante del duelo era el mito, pero aquí el dolor viene del desgaste cotidiano, del cuerpo, del tiempo que no perdona. ¿Cómo fue para ti transitar del género fantástico a este realismo emocional tan crudo para hablar de la muerte y el luto?
Lorena Villarreal: Ha sido un viaje completamente orgánico pero definitivamente maduro. Cuando hice Las Lloronas estaba explorando el dolor desde la distancia que te da la leyenda, la metáfora. Veintidós años después, la vida te pasa por encima; entiendes el luto de otra manera, ya no como una maldición externa, sino como algo que llevas en la sangre y en las decisiones diarias.
Quería que esta película se sintiera dolorosamente cercana, que el espectador viera a sus propias tías, a sus primas, a sí mismo en ese dilema de qué hacer cuando el tiempo se empieza a agotar.
Reflexión: Es precisamente aquí donde la película se vuelve extraordinaria. Las bifurcaciones emocionales, narrativas y actorales no funcionan como un mero adorno formal, sino como la radiografía exacta de una mente en crisis. El guion de Villarreal no juzga a sus personajes; los expone en su vulnerabilidad más pura.
Luis Toriz: Natalia, tu personaje, Nora, es fascinante. Es una mujer aparentemente libre, resuelta, metida en un trío amoroso formalizado que, sin embargo, se siente incompleto, que no le llena del todo. ¿Cómo construiste esa contradicción de una mujer que tiene la “libertad” que nuestra generación tanto buscó, pero que igual se siente estancada?
Natalia Plascencia: Es que Nora representa muy bien este choque generacional. Nos dijeron que podíamos ser libres, romper los moldes tradicionales, inventar nuestras propias reglas afectivas… y lo hicimos.
Pero la película se pregunta: ¿y qué pasa cuando te das cuenta de que ni siquiera tus propias reglas te salvan de la soledad? Nora está en un trío donde hay amor, donde hay un acuerdo maduro, pero hay un vacío que no puede llenar porque el verdadero problema no es su vida en pareja, sino el luto y el abandono parental que viene arrastrando. Fue un reto actoral hermoso encontrar esos matices donde la fortaleza aparente se quiebra con una sola mirada.
Reflexión: El contraste entre ambas primas es el corazón latente del filme. Mientras Nora lidia con los límites de su propia libertad afectiva, Ely tiene que enfrentar una menopausia prematura: un golpe biológico devastador que redefine su identidad mucho antes de lo esperado. Ambas subtramas convergen de manera dolorosa en un eje central: el luto adelantado por la tía que las crió, una mujer que ha tomado la decisión radical y digna de suspender su tratamiento contra el cáncer.
La memoria visual y sonora del abandono
Luis Toriz: La película posee una manufactura técnica impecable. La fotografía no sólo es bella, sino que juega de manera muy inteligente con los tonos del pasado y el presente para marcar el distanciamiento emocional. Y el soundtrack es una maravilla; nos sumerge de golpe en las décadas específicas que contextualizan la juventud de los personajes. Lorena, ¿cómo trabajaste este diseño de atmósfera para que la nostalgia no se comiera el presente?
Lorena Villarreal: Para mí era vital que la música y la luz no fueran sólo decorativas. Quería que el soundtrack funcionara como una máquina del tiempo sensorial. Nuestra generación está muy anclada a lo que escuchaba, a los espacios que habitaba. El diseño sonoro y la fotografía son texturas de la memoria: el pasado se siente cálido pero lejano, mientras que el presente tiene una nitidez que a veces resulta incómoda, casi clínica, para reflejar la realidad de la enfermedad y el luto.
Reflexión: Villarreal logra un equilibrio estético notable. La impecable fotografía abraza la dualidad de los tiempos, mientras que la banda sonora se convierte en un personaje más que contextualiza a la perfección con la melancolía de una generación atrapada entre lo que fue y lo que le queda por vivir. Esta es, en el fondo, una historia fuerte sobre los abandonos parentales, las muertes anunciadas y la aceptación de los finales.
Conclusión: La madurez de una generación
Al final, el regreso de Lorena Villarreal al cine de largo formato de la mano de Naian González Norvind y Natalia Plascencia nos regala una de las piezas más lúcidas y conmovedoras del año.
Lejos del melodrama convencional, la cinta se atreve a retratar la madurez tardía de nuestra generación: esa que creció creyendo que el tiempo era infinito y hoy debe aprender a soltar a quienes ama, a perdonar los abandonos del pasado y a reconciliarse con su propio cuerpo. Una obra imprescindible que dialoga con la muerte para recordarnos la urgencia de aprender a vivir bajo nuestros propios términos.
